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ENTREVISTA COM O ARTISTA

MARCELO SIMMONS

FORMAÇÃO: Artes Plásticas/ Artes Visuais.

TÉCNICA: Frequentemente utiliza-se de stencil, colagens , figuras sobrepostas e fotografia. As pinturas são realizadas com base em tinta óleo, Acrilica, Nakim, ecoline.

  

MATERIAIS QUE UTILIZA: Tela, Papel A3, Canson, MDF, Pinceis, Silk Screen.

LINGUAGEM CONTEXTUAL: A contemporaneidade utiliza-se de uma Arte pautada em mensagens politicas com temas embasados ao cotidiano social, realista, que, de maneira  provocativa  refletem uma técnica contextualizada à POP ART ou Arte Urbana, opcionalmente utilizada pelo artista.

ATUAÇÃO: Expositor/Palestrante.

PRODUÇÃO: Algumas produções têm base temática à representação icônica de figuras politicas, artistas, nacionais e internacionais, que, politicamente dialoga com o receptor; outros temas embasam-se em inspirações próprias, espontaneísta.

                                                                                 

 

 

A favela e a Cidade

Taboão da Serra, 18/05/2015.

Entrevista com  os alunos do  2º e 3º.  Semestres do Curso Artes Visuais . A proposta era desenvolver um painel com tema livre.    O grupo que escolhemos  trabalharam um tema único para todo o grupo: A Favela e a Cidade.

A ideia segundo os integrantes é a visão de que a arte, não é só mostrar o belo, mas acima de tudo mostrar que a cultura está ao alcance de todos e que deve vir sempre como inquietação, provocação!   A proposta do painel  é mostrar a gritante desigualdade social,  expondo  os dois polos de uma mesma metrópole e,  apesar da linha tênue que as divide geograficamente falando, a distância econômica é quilométrica.

Os integrantes desse grupo são: Alexandre, Keila, Rebeca, Andreia, Valéria e Paulo Artitude, sendo este último grafiteiro já excursionando pelo mundo das artes, assim como o Alexandre. Todos afirmam que ao iniciarem no curso de artes visuais, suas expectativas eram outras, acreditavam que era um curso com mais ênfase nas artes propriamente dita. Mas, agora que estão podendo ter aulas práticas e de fato trabalhar com artes, esta começando a ficar interessante! 

Confiram as fotos:

Por:

Ednalva Marchezini;

Neusa Ramiro;
Simone Silvino.

         Victor Meirelles de Lima

Victor Meirelles de Lima (Nossa Senhora do Desterro, atual Florianópolis, 18 de Agosto de 1832 Rio de Janeiro, 22 de Fevereiro de 1903) foi um pintor e professor brasileiro.

De origens humildes, cedo seu talento foi reconhecido, sendo admitido como aluno da Academia Imperial de Belas Artes. Especializou-se no gênero da pintura histórica, e ao ganhar o Prêmio de Viagem da Academia, passou vários anos em aperfeiçoamento na Europa. Lá pintou uma de suas obras mais conhecidas, A Primeira Missa no Brasil.

Voltando ao Brasil se tornou um dos pintores preferidos de Dom Pedro II, inserindo-se no programa de mecenato do monarca e alinhando-se à sua proposta de renovação da imagem do Brasil através da criação de símbolos visuais de sua história. Tornou-se professor da Academia, respeitado e admirado por todos, e continuou seu trabalho pessoal realizando diversas outras pinturas históricas importantes, bem como retratos e paisagens. Com o advento da República, por estar demasiado vinculado ao Império, caiu no ostracismo, e acabou sua vida em precárias condições financeiras, já esquecido por todos.

A obra de Victor Meirelles pertence à corrente romântica, mas suas influências foram ecléticas, absorvendo também traços do Barroco e do Neoclassicismo.

Foi autor de algumas das mais célebres recriações visuais da história brasileira, que até os dias de hoje permanecem vivas na cultura nacional e são incessantemente reproduzidas em livros escolares.

Curso: Artes Visuais – 6º. Semestre/2015

Alunos:
Ednalva Marchezini,
Marleide Florentino,
Neusa Ramiro,
Simone Santos e
Wilson Leal

Biografia de Lina Bo Bardi    

Lina Bo Bardi (Achillina Bo) nasceu em 05 de dezembro de 1914 Roma-São Paulo, 20 de março 1992. Arquiteta modernista ítalo/brasileira, foi casada com Pietro Maria Bardi, crítico de arte. Ela foi a idealizadora do Museu de Arte de São Paulo, mais conhecido como MASP.

Lina no canteiro de obras, durante a construção do MASP.

Na década de 1930, foi aluna na faculdade de Arquitetura da Universidade de Roma. Ao mudar-se para Milão, trabalhou para Gio Ponti, proprietário de uma casa com nome de Domus, onde conquista experiência e relativo reconhecimento, em decorrência disso, consegue abrir seu próprio escritório. Durante a segunda Guerra Mundial, enfrenta a recessão e em 1943 seu escritório é bombardeado. Em meio a esse clima de guerra, Lina conhece o arquiteto Bruno Zevi e, ambos lançam uma revista semanal chamada: A Cultura della vita e, simultaneamente engaja no movimento de resistência contra a invasão alemã, onde passa a militar no Partido Comunista Italiano.

Casa em 1946 e desiludida com o caos à sua volta e a sensação de perda, ela e seu marido crítico e jornalista Pietri Maria Bardi, partem para o Brasil, com o qual se identifica e o toma como lar, se naturalizando brasileira em 1951.

Vivendo em novas terras, a artista enxerga a possibilidade de novos desafios, novo recomeço e novas ideias, onde ela vê a oportunidade de concretizar as ideias propostas da arquitetura moderna. Movimento que a encantou de imediato, vislumbrando as possibilidades em um país em formação e em busca da afirmação de sua cultura e desprendido do pensamento europeu onde a arquiteta e artista parte para a conquista de “novos horizontes”.

No principio Lina Bo Bardi, se encanta com o Rio de Janeiro suas paisagens e a modernidade do edifício do Ministério da Educação e Saúde Pública, conhecido como: Edifício Gustavo Capanema, obra de uma equipe de jovens arquitetos com consultoria de Le Corbusier e coordenação de Lúcio Costa. Mas, apesar do encantamento, decide-se fixar residência em São Paulo, onde projetou e construiu sua casa de vidro, como ficou conhecida no bairro do Morumbi.

Ao aprofundar-se nos hábitos e costumes do país, apaixona-se pela cultura popular, influenciando fortemente seu trabalho, onde inicia uma coleção de arte popular brasileira onde destaca o diálogo entre o Moderno e o Popular. Dai nasce o sonho de um espaço a ser construído pelas pessoas. A ideia era que o espaço se finalizasse com a participação das pessoas e suas obras, sendo preenchido a cada participação, em uma metamorfose constante...

1950 Lina aceita o convite de Diógenes Rebouças indo para Salvador ministrar palestras onde acaba prolongando sua estadia por conta do Museu de Arte Moderna, onde assume sua direção e cria o projeto de recuperação do Solar do Unhão. Ficou conhecida entre os baianos como Dona Lina. Esteve por lá até 1964.

Nos fins dos anos 1970, foi progenitora de uma das obras que se tornou um grande referencial nos meados do século XX, o SESC Pompéia. Retornou a Salvador nos anos 80, durante a redemocratização do país, onde criou projetos de restauração no Centro Histórico de Salvador que é Patrimônio Histórico da Humanidade reconhecimento da UNESCO, e fez os projetos da Casa do Benin e Restaurante na Ladeira da Misericórdia com a parceria do arquiteto João Figueira Lima. Ela participou ativamente do Movimento Modernista, deixando um legado de belas histórias e amor pela pátria que adotou como sua.

    Maquete do museu à beira do oceano cidade de S.Vicente: 1951.

Sua incursão pelas artes, não se limitou apenas na arquitetura... Lina contribuiu com produções para o teatro, cinema, cenografia, desenho de mobiliário, artes plásticas e foi curadora de inúmeras exposições.

Entre suas obras de destaque estão:

Museu de Arte de São Paulo, 1958=sua obra prima.

Casa da Cultura de Pernambuco, Recife, 1963.                   

Instituto Moreira Salles.

Igreja do Espírito Santo do Cerrado, Uberlândia Minas Gerais, 1976.

Museu de Arte Moderna da Bahia, Salvador.

Teatro Oficina, São Paulo, 1990.

Reforma do Palácio das Indústrias, São Paulo1992.

Reforma do Teatro Politeama, Jundiaí, 1986-1996.

Como já fora dito, a artista era apaixonada pela cultura brasileira e isso ficava explicito em suas criações como esta cadeira Bowl, 1951. Foi inspirada nas tigelas usadas pelos caiçaras.

       

 

Lina Bo Bard - 05/12/1914, Roma/Itália-20/03/1992 São Paulo/Brasil (Italiana e Brasileira naturalizada) Morreu aos 77 anos. Este foi um dos grandes “marcos” deixado pela artista: Museu de Arte de São Paulo (MASP).

Lian Bo Bard... Nasceu com origem Italiana e morreu com a essência de uma cidadã brasileira. O que mostra que a arte vai muito além das fronteiras ou as cores de uma bandeira; Lar é onde mora o coração. Ela morreu exatamente como sempre desejou... Trabalhando.

Fone da pesquisa: Wikipédia.org/wiki/Lina_bo_bard

A entrevista com o artista plástico Wilson Coelho

Wilson Roberto Morais Coelho, nasceu na Zona Sul de São Paulo em 26/12/1971, é solteiro,  mora com os  pais e com os seus dois filhos  de 11 e 13 anos. Estudou Artes plásticas no Instituto Rodrigo  Mendes, por três meses onde se efetivou,  trabalhando com Inclusão Social. Trabalhou em  Atibaia  - Escola Jornaletto como Professor de Artes, e  também na feirinha de Embu das Artes.

Trabalho de maior repercussão: Exposição no  SESC  em 2005; colaborador cultural na cidade de Embu das Artes intitulado “Identidade Visual” em 2013.    
Considera-se artista desde os 03 anos de idade, não se prende a estilos, trabalha de acordo com o dia a dia; o trabalho flui de acordo com as necessidades dos seus alunos e encomendas recebidas.

Encontra- se  no último semestre do curso de Artes Visuais, tem como inspiração o professor Gerson que é Artista Plástico.  Fazer faculdade foi  por necessidade de um certificado acadêmico que é exigido em algumas Instituições, apenas para poder dar aulas em escola. Não precisa de um diploma para mostrar sua arte e seu talento, pois vive e sobrevive do seu trabalho como Artista Plástico, também dá aulas de desenhos  no seu próprio ateliê em sua casa e conta  com a colaboração de vários amigos artistas que dividem como ele o ateliê.

Wilson considera-se mais professor que  artista, tem seus momentos de apatia porem seus  alunos o motivam e estão sempre  o desafiando a novas criações.  É também cartunista, faz desenhos em quadrinhos, gosta de experimentar novas técnicas e novos materiais;  trabalha de 8 a12 hs por dia, tem dificuldade visual séria mas esta dificuldade não o atrapalha.
Se não fosse artista, seria artista, não se vê fazendo outra coisa.
Desejo para o futuro:  Deseja que a sua arte seja reconhecida, não se dedica a política, mas tem  uma filosofia própria.

Sua definição de arte: “Arte é um divisor de águas entre ser um cético um sensível”.

Saiba mais sobre seu trabalho em: Estúdio Coelho Di Papel

Alunos:  Ednalva Marchezini (RA 5277976244);

Marleide Florentino (RA 5828174547);
Neusa  Ramiro (RA 5239106521); 
Simone Santos (RA 1299104836); 
Wilson Leal (RA 3708621764).

A criatividade está rolando solta na Anhanguera!

O Artista e professor Gerson Correra, que leciona aulas de artes para os alunos  2º e 3º semestre da Anhanguera, estão com a criatividade a flor da pele. Com alguns materiais e muita criatividade os alunos estão produzindo um trabalho com pintura em painéis para poder deixar exposto no anhanguera day. Enquanto os alunos produziam suas obras, nós alunos do último semestre de artes visuais entrevistamos os artistas.

Confira algumas perguntas que fizemos para os alunos, Rafaela, Gesiele e Jonas.

1 - Do que se trata a produção artística? Possui algum tema?

O aluno Jonas do 2º semestre responde pelo grupo: "Nosso trabalho se trata sobre os quatro elementos" ( terra, fogo, ar e terra). 

2 - Qual foi a inspiração para realizar o trabalho?

Jonas responde : "Veio das origens das aves e dos significados que o homem atribui a cada ser. Por exemplo a coruja simboliza a sabedoria e assim como outros animais tem uma significado para algumas culturas".

3 - Qual era o tema da aula?

Jonas resposde o seguinte: "O tema da aula era meio que livre. Nós do grupo tínhamos uma uma ideia, mas resolvemos mudar o tema de ultima hora e o resultado foi outro".

Depois de uma entrevista curta e singela resolvemos deixar o grupo trabalhar em paz e tiramos algumas fotos para poder contextualizar melhor essa entrevista.

Eduardo Alves
Francisca Silva
Joneide Capiotto
Walquiria Perez

NOVOS ARTISTAS, NOVAS HISTÓRIAS
ENTREVISTA COM A TURMA DE ARTES DO 2º E 3º SEMESTRE

Com orientação do professor Gerson Correra, alunos de artes do 2º e 3º semestre da Anhanguera criam painéis em tinta acrílica sobre tecido. Enquanto a criatividade rola solta nos vários espaços dos ateliês, alunos do último semestre entrevistam os grupos de artistas.

Vejam as repostas dos alunos, Fábio, Renata e Lucinei:

1 - Do que se trata a produção artística? Possui algum tema?

Resposta coletiva: Não possui um tema específico, cada um colocou os elementos visuais e que mais gosta, algumas viagens artísticas que mesmo distintas, formam um painel que os desenhos se conectam.

2 - O trabalho foi elaborado/esboçado coletivamente ou cada um teve seu espaço individual?

Não fizemos um esboço coletivo, cada um fez a partir de suas convicções visuais. Não houve intervenção de um desenho para outro.

3 - Alguém já trabalha com Arte?

Não trabalhamos com Arte, "ainda", relata o grupo. 

4 - Qual foi a inspiração para realizar o trabalho?

Como foi dito na questão anterior, cada desenho teve inspiração individual

Os painéis serão expostos no Anhanguera Day, no dia 29 de maio de 2015. Não percam!

Entrevistadores:
Daniel Araujo
Wilson de O. Leal
Marleide F. Alves

Vamos Falar de Danças Urbanas .

O Documentário

Não vim falar de um artista , e sim de vários anônimos que sem a menor pretensão fizeram através de um coletivo uma raiz cultural para uma especifica dança no Brasil ,  hoje são peças importantes para uma historia na qual é a prova que a arte esta sempre em movimento.

Vamos falar de Danças urbanas , muito conhecida como Dança de Rua , que na verdade é um codinome dado as danças que não eram de academia , Nascida nos Estados Unidos como fundamento da Cultura Hip Hop . as danças urbanas mais precisamente o que foi apelidado pela mídia como Breakdance ,uma dança onde adaptou diversas outras danças desde o sapateado de Fred Astaire ao Frevo de Pernanbuco . 

O "B.Boyng" popularmente conhecido por Breakdance , estimulou os Brasileiros através do Filme que passou nos cinemas de cá em 1983 com o FLASHDANCE onde em uma cena de pouco mais de 1 minuto , apareciam dançarinos de rua em uma certa parte do filme  e posteriormente mais especifico com um  chamado "Beat Street .A Loucura do Ritmo , " em 1984 .Através destes surgiu o interesse destas danças  e de se praticar a mesma . assim como os outros elementos da cultura hip hop que é o Graffiti , o DJ e o RAP ( Rythm And Poetry ).

Flashdance 1983

 Beat Street (1984)

Através deste filme e de outras fagulhas  a cultura chegava a nosso país  , grupos de jovens que já tinha influencias dos Bailes Black que agitavam a grande metrópole na década de 70 e inicio dos 80 .
 O palco principal era a apropriação de espaços urbanos e abertos , este documentário da qual fiz parte da produção , nos traz as historias contadas deste ponto de encontro antes ja ocupado pelo movimento Punk paulista . Este ponto de encontro foi e continua sendo muito  importante para a Cultura Brasileira de Danças Urbanas ou de Rua como quiser que seja dito, sendo considerado um Templo para os amantes desta cultura ..

Muitas pessoas criticam por ser uma cultura americana , mas não é uma cultura americana pois possui influencias de inúmeros elementos culturais pertencentes ao mundo. Hoje é considerado uma cultura mundial que sofre diferentes influencias em especifico a cultura de cada País . No Brasil por exemplo foi adaptado diversos movimentos da Capoeira , Frevo , Danças Indígenas etc...

Através dos relatos gravados desde o celular , câmeras digitais , materiais em VHS , câmeras profissionais com intuito de criar a narrativa agrupando todos os relatos com o material destes  recursos para preservar a memoria de uma historia dentro da historia do Hip Hop Brasileiro . 

Foi uma "brincadeira" que deu certo e já foi exposto e diversos países e hoje é considerado importante por preservar e expor as pessoas que através da arte mudaram suas vidas . 

Rodado entre os Anos de 2001 à 2010 , "Nos tempos da São Bento " é um documentário que busca a memoria coletiva do Hip Hop , Minuciosa , a estrutura narrativa nos leva ao conflito com o esquecimento , o ato social de se apagar fatos , pessoas e grupos da historia , é justamente  este conflito , apresentado através do exercício da narrativa , que se transforma em ação dramática , onda a personagem principal é a memoria coletiva 

Uma Historia dentro da Historia do Hip Hop em São Paulo 

A importância da memória como um patrimônio a ser valorizado, registrado e perpetuado determina o fio condutor da narrativa. Este viés histórico se intercala com dezenas de depoimentos ricos e carregados de emoção, compondo o documentário Nos Tempos da São Bento, lançado no dia 26 de novembro, na Galeria Olido, em São Paulo. Participam do filme diversos personagens que protagonizaram ou testemunharam o surgimento do hip-hop em São Paulo, história que tem na estação São Bento do metrô um capítulo fundamental.


Um dos primeiros espaços públicos "tomados" pelos primeiros b.boys paulistanos entre 1984 e 1985, a estação São Bento se tornou um dos principais points do hip-hop paulista e brasileiro, reunindo, todos os sábados, as "gangues" (crews de b.boys) que buscavam um bom chão para dançar. Com o tempo, o graffiti e o rap também estiveram representados no local, mas a dança sempre foi o principal elemento aglutinador. A história durou entre 16 e 17 anos. Além de inúmeros b.boys consagrados, por lá também passaram, por exemplo, OsGêmeos, Thaide, DJ Hum, MC Jack, Mano Brown e KL Jay, entre muitas outras personalidades. No filme, eles mesmos relembram o período, junto a outros nomes como DJ Heliobranco, Vitché, Sharyline, Jackson (Stillo Selvagem), Pepeu, João Break, Nelson Triunfo, GOG, Código 13, Doctor MCs, MT Bronks, Marcelinho Back Spin, Mister Kokada e muitos outros

Jaqueta jeans pintada pelo artista Wagz em homenagem ao Documentario exibido em 2010

Graças a reunião desta memoria coletiva realizada com este documentário e outros projetos que o envolveram , nos dias de hoje é promovido eventos neste mesmo local que ja estava vazio ,como encontro para revitalizar o passado e preservar a historia das historias que surgiram neste local considerado sagrado pelos que fazem parte desta cultura ..

Fotos do ultimo encontro que aconteceu em Abril de 2015  

(fotos Fabio Minu ) 

 Documentário disponível no Youtube

ALEIJADINHO

Antonio Francisco Lisboa, que ficou famoso no mundo inteiro como Aleijadinho, nasceu em Ouro preto, Minas Gerais em 1730, cidade que a época tinha o nome de Vila Rica. Filho do casamento de Manuel Francisco Lisboa, Português e mestre de obras de profissão, e da escrava Isabel, o escultor mineiro aleijadinho aprendeu desde cedo o ofício do pai, que foi o primeiro arquiteto de Ouro preto.

Apaixonado pela arte, Aleijadinho só fez a escola primária, passou sua infância e juventude ajudando o pai e o tio, Antonio Francisco Pombal, um entalhador muito conceituado na cidade àquela época, não aproveitando as brincadeiras de criança que deveria ter. Segundo consta, a formação profissional de Aleijadinho pode ter sido aprimorada, enriquecida com a experiência de João Batista Gomes, abridor de cunhos e de José Coelho Noronha, entalhador e escultor, com que o artista teria uma relação muito boa.

Em 1777, Antonio Francisco Lisboa contrai a doença que lhe traria com o tempo o apelido de aleijadinho, a doença que foi deformando o artista com o passar dos anos, fez com que ele perdesse os dedos dos pés, e das mãos. Os pesquisadores até hoje não conseguiram determinar com certeza qual o problema de saúde que teria trazido tão graves seqüelas, se foi hanseníase, sífilis, ulcerações gangrenosas ou ainda uma tromboangeíte obliterante, doenças que aquela época não tinha tratamento eficaz e muito menos cura.

No período mais crucial, seus artesãos atavam os instrumentos a luvas de couro que cobriam suas mãos e o carregavam, pois ele já não podia caminhar. A verdade é que a doença trouxe um sofrimento indizível, mas ao que comprova a sua obra, este trouxe uma sensibilidade muito maior ao escultor Aleijadinho, entalhador, desenhista, e arquiteto do Brasil colonial.

Sua obra tem traços de genialidade que a tornaram conhecida no mundo inteiro, e hoje existe em Ouro preto um museu onde está exposto o seu acervo e onde é contada a sua história, mostrando o talento e a determinação desse homem que sofreu dores lascinantes, precisou atar os instrumentos as mãos para poder trabalhar, mas nem mesmo assim desistiu. No auge de sua doença e com mais de 70 anos e idade, produziu uma de suas mais importantes obras, que é a fantástica coleção de esculturas dos doze apóstolos, que o tornou definitivamente uma celebridade artística, não como esculturas de lata ou de neve.

As suas obras-primas foram esculpidas em pedra-sabão, realizadas no período de 5 anos, entre 1800 a 1805, na cidade de Congonhas do Campo. As esculturas dos 12 apóstolos Abdias, Adacuque, Amós, Baruque, Daniel, Ezequiel, Isaías, Jeremias, Jonas, Joel, Naum e Oseias, ficam no adro do santuário da Igreja católica do Bom Jesus do Matosinho. Na frente da Igreja há uma ladeira com 6 capelas onde estão um conjunto de esculturas de Aleijadinho, em tamanho real, que revelam a Via Crucis de Jesus.

A obra de Aleijadinho tem uma forte e decisiva influência da cultura religiosa católica, mas quando temos o privilégio de visitar o museu e apreciar as belezas, somos imediatamente transportados no tempo, pois essas peças são carregadas de uma emoção indescritível, pela sua grandiosidade, imponência e beleza. Aleijadinho morreu em 18 de novembro de 1814, aos 84 anos e cego, na cidade de Ouro preto, onde nasceu e passou sua vida. Os dados que existem sobre a vida do artista barroco e obra são escassos e provem de um apanhado de memórias escritas pelo vereador de Ouro Preto, Sr. Marino, 40 anos após sua morte, e publicadas posteriormente.

Vida e Obras de Aleijadinho:

Aleijadinho viveu e produziu a maioria de suas obras nas cidades de Ouro Preto e Congonhas, no estado brasileiro de Minas Gerais, no período de 1730 a 1814. Esses dados carecem de confirmação documental, assim como a sua vida, seus trabalhos não foram catalogados na época e não tinham assinatura dificultando um levantamento preciso de sua grandiosa obra.

Ele foi um escultor barroco e trabalhou também como arquiteto, entalhador e marceneiro. Seu talento, no entanto, foi difundido apenas por suas esculturas, e nessa arte trabalhava usando especialmente a pedra-sabão e madeira. Muitos historiadores e estudiosos da vida e obra de Aleijadinho dividem sua carreira em dois tempos diferentes, antes da doença deformante e após o início da doença, sendo essa última seu período mais fértil, quando surgiram suas esculturas mais primorosas.

Aleijadinho Marceneiro e Entalhador

São, ao todo, 22  trabalhos conhecidos de Aleijadinho como marceneiros entre eles se destacam oratórios grandes que estão expostos no Museu do Pilar de Ouro Preto e da Inconfidência e também as cadeiras e o trono episcopal executados num estilo rococó esplêndido que estão no Museu da Arte Sacra de Mariana. Como entalhador, o artista fez os altares das Igrejas de N. Srª do Pilar de Nova Lima e de São Francisco de Assis da cidade de Ouro preto, assim como os altares laterais da Igreja de São João Del-Rei. Também executou trabalhos riquíssimos de entalhamento usando pedra-sabão nos portais de diversas igrejas mineiras. São, ao todo, 29 obras de entalhamento de madeira catalogadas e atribuídas ao artista.

Aleijadinho Arquiteto

Em um documento datado do ano de 1771, Antônio Francisco de Lisboa é chamado de arquiteto. Assim, sob essa égide o artista produziu 23 projetos e trabalhos conhecidos, entre eles os principais são os projetos das Igrejas de São Francisco de Del-Rei que não foi executado, de São João Batista de Barão de Cocais, e de São Francisco de Ouro Preto, além disso, é de sua criação o projeto arquitetônico das torres da matriz de Tiradentes.

Aleijadinho Escultor

Foi trabalhando como escultor que Aleijadinho deu vazão a todo o seu talento artístico. Em levantamentos realizados por diversos historiadores foram atribuídas ao artista 318 esculturas, além de 25 classificados de esculturas ornamentais. Existem, entre uma corrente de historiadores, dúvidas quanto à autoria de algumas obras do artista, visto que as mesmas não têm assinatura e Aleijadinho e tiveram vários auxiliares e discípulos de suas técnicas. Assim sendo, o número de trabalhos atribuídos a Aleijadinho não é definitivo, há a possibilidade de ser bem maior ou não.

A obra artística de Aleijadinho passou por diversas fases, mas chama a atenção e o período em que produziu seus melhores trabalhos foi a partir de sua doença, quando passou a trabalhar exaustivamente, chegando a precisar amarrar as ferramentas às suas mãos. As obras que realizou nessa época imortalizaram seu nome e seu dom, foram 30 anos em que produziu esculturas perfeitas e brilhantes, com uma perícia e uma riqueza de detalhes inimaginável.

É no Santuário de Bom Jesus de Matosinho, em Congonhas, que se encontra um dos maiores legados artísticos de Aleijadinho, ao qual ele dedicou 10 anos de sua vida a partir de 1796, são 66 estátuas de madeira de cedro que representam a Via Sacra, chamada de “Passos da Paixão” e os 12 Profetas feitos de pedra sabão. As 66 estátuas que compõe a Via Sacra estão dispostas em 6 capelas independentes e parecem possuir vida própria, seja pelas cores, pela perfeição ou mesmo pela riqueza de detalhes. Em contrapartida, as estátuas dos 12 profetas que ficam como que guardando o santuário não têm a mesma perfeição e seus traços anatômicos são muitas vezes desproporcionais.

A obra de Aleijadinho está espalhada especialmente por igrejas e santuários de Minas Gerais, maAs são na cidade histórica de Ouro Preto que se encontra a maior parte do acervo do artista, e também o museu com suas obras, documentos e parte de sua história, na Igreja Matriz de Nossa Senhora da Conceição. O reconhecimento do artista ultrapassa as fronteiras brasileiras e ele é reconhecido mundialmente, como um mestre da arte barroca.

Entre suas obras mais importantes, além das citadas, temos a imagem de São João Batista, a por talada da Igreja de São João do Morro Grande; a imagem de Nossa Senhora do Carmo na Matriz de Nossa Senhora do Bom Sucesso; a imagem do Bom Jesus; o crucifixo na Matriz da Conceição; a Fonte da Samaritana no Seminário Maior; projeto e execução do chafariz no Hospício da Terra; altares colaterais de Nossa Senhora da Piedade e de São João Batista na Igreja de Nossa Senhora do Carmo; imagem de São Francisco de Paula atualmente no museu do MASP; estátuas dos santos Simão Stock e João da Cruz na Igreja de Nossa Senhora do Carmo; Imagem de Nossa Senhora das Dores no MASP, e inúmeras outras obras desse impressionante artista brasileiro.

ANDRÉA AP. FERNANDES

CLARICE ALEXANDRA PINHEIRO

ELAINE  LEMOS S. DE JESUS

TEREZINHA LOPES DOS SANTOS

MARTA LIRA NAVARRO